英国博物馆凭什么能成时尚爱好者的头号胜地

　　如果说这个世界上会有面向普罗大众举办的高级定制时装秀，票还不要钱，那它很可能发生在英国维多利亚与艾尔伯特博物馆（Victoria and Albert Museum，以下简称V&A博物馆）中。11月1日，中国时装设计师郭培携个人品牌Guo Pei 2019年秋冬季高级定制系列，在V&A博物馆的拉斐尔画廊中举办了三场走秀展示。这三场时装秀均是面向公众免费开放，近千张门票也在开票后几分钟内迅速抢空。
　　郭培是继Christian Lacroix、Jean Paul Gaultier、Alexander McQueen、Molly Goddard等人后，新一位与V&A博物馆合作举办公共时装秀的设计师。而这也是该博物馆的传统之一。这一被称为“Fashion in Motion”，旨在邀请当代时装设计师在馆内做展示的项目在今年迎来了创立第二十个年头。
　　项目起初是为了解决传统博物馆在策划时尚展览时，出于保护展品等原因，难以还原服装原本穿着在人体上呈现动态效果的难题。
　　“观众们对‘Fashion in Motion’的回应很让我们惊讶，”项目负责人、V&A博物馆当代时装策展人Oriole Cullen这么介绍到，“早年时，这个项目主要是让模特穿着最新时装作品，在馆内自由行走，结果来看展览的观众们常是热情地一同跟随模特四处走动，形成不小的队伍。”
　　二十年后，这一项目成为了公众和当代时尚之间最好交流的之一，也是时尚实现民主化的最佳体现。
　　V&A博物馆是世界上最大型的艺术与设计博物馆，馆内珍藏着跨越五千年人类文明历史，超过二百三十万件的艺术珍品和设计性产品。而以服装配饰为主要表现形式的时尚，也在博物馆内占有一席之地，并在近年间显示出重要地位不断上升的趋势。
　　与大部分博物馆不同，作为最具学术权威性的文化机构之一，V&A博物馆始终对时尚表现出包容态度。博物馆自创建之初就一直定期收藏着服饰类藏品；上世纪七十年代初，在时尚摄影师Cecil Beaton的提议和推动下，博物馆开始将携带商业属性的当代时尚纳入收藏和策展考量范围内。在这之后，诸多既有学术高度，同样又不失娱乐性的展览频频出现，如全球第一场把亚文化时尚引进博物馆空间的展览“街头时尚：从街边到T台”（Streetstyle: From Sidewalk to Catwalk），展现千禧年初先锋时装设计的“激进时尚”（Radical Fashion）等。
　　“因为展览会收获更多媒体报道的关系，大家会觉得博物馆与时尚的互动仅限于此，但博物馆同时做的远不止这些，”馆内资深时尚策展人Sonnet Stanfill补充着，“我们用于存储服饰藏品的档案库始终对外开放，任何人都可以通过预约来近距离欣赏和研究这些藏品；出版部门也在规划着一系列从简单入门的图片书籍，到更专业时尚学术论著的出版物——这些并不一定总是要伴随着馆内展览才会发生的。”
　　当然，还有博物馆公共教育部门：除了馆内定期举办的讲座、研讨会等，V&A博物馆从2015年起甚至还推出了专门培训公众策划时尚展览的短期课程。这也从侧面反映出时尚主题项目规划在博物馆内所占的比重之重。
　　博物馆不会就展览单一主题类别公布营收信息，但在今年7月发布的“V&A博物馆2018-19年度报告和报表”文件中，博物馆明文指出其在2020年的营收增长点将来自馆内“出众的时尚展览及其他核心业务（零售、出版与文化授权）”。
　　目前已公布的馆内2020年时尚展览包括了探讨日本和服历史和文化的“和服：京都到伸展台”（Kimono: Kyoto to Catwalk），以及在主题上更显得容易吸引观众的手袋展览“手袋：由内而外”（Bags: Inside Out）。按照过往展览案例推算，这两场展览均有望吸引到超过五十万的观展人数，为博物馆带来六百万英镑的票房收入。
　　没有哪种装饰性艺术类别能像时尚一样，既能提供给人视觉享受和文化价值体验，又与每个人的生活息息相关。如今，博物馆史上最受欢迎展览榜单前两名，也均是时尚主题展览：2015年的“Alexander McQueen: 野性之美”（Savage Beauty），共计吸引了493,043名观众；以及2019年的“Christian Dior: 梦之设计师”（Designer of Dreams），共计吸引了594,994名观众。
　　近年来，更多综合性展览也均或多或少在策展过程中涉足时尚：下半年在馆内开幕的摄影展“Tim Walker: 美妙东西”（Wonderful Things）强调了Walker用摄影镜头语言诠释时尚，创造梦幻的能力；2018年的“Frida Kahlo: 自我成长”（Making Her Self Up）展览同样大量展出了这位墨西哥艺术家的私人衣橱着装，将服饰与绘画、珠宝、摄影等一并陈列。
　　“全球博物馆的文化图景已经发生了诸多改变。我们看到有那么多在过往可能对时尚持负面态度的机构，也都开始做起了时尚展览，”Stanfill解释道，“但V&A博物馆不一样的是，我们一直视时尚是重要的设计类别，而非一时潮流。大家想象不到在准备一场时尚展览过程中，除了理论概念外，团队要在实际技术层面付出可能比其他类别展览更多的精力投入。”
　　Stanfill提到博物馆策展人和展览部门同事在决定每场展览主题时，不会带入市场营销思维，但他们会尽力让展览能够与社会和公众贴近，吸引最大范围限度的观众。就好比2012年时，伦敦成为当年夏季奥林匹克运动会主办城市，V&A博物馆便因此策划了一系列与英国相关的主题活动。当年参观人数排第二位的展览，即是Stanfill和Cullen策划的英国舞会礼服展览（当年最受欢迎的展览——好莱坞戏服展“Hollywood Costume”仅多出1,096人）。
　　“再比如说在今年的展览中，除了Dior这样的大热展览外，我们也想加入一些小众的名字。”Stanfill进一步介绍着。这也是为什么博物馆会选择策划以上世纪六十年代时装设计师Mary Quant为主角的展览。即使为了让展览规划取得平衡，这其中对大众和小众的定义显然也经过深思熟虑：Quant尽管对外人来说可能有些陌生，但对英国人，特别是那些当年经历过六十年代时尚潮流变革，如今年近古稀的老年人来说，是能唤醒亲密私人回忆的名字——后者在V&A博物馆全年观众群像统计信息里依旧占有重要比例。
　　中国一直是V&A博物馆发展规划的核心部分，这一点也在博物馆时尚项目上有所体现。博物馆早前的鞋履展览“鞋履：欢愉与痛苦”（Shoes: Pleasure and Pain）在2017至18年间，先后在中国上海、成都、广州、北京、香港巡展，吸引了近三十万名观众；与此同时，馆内策展人也在近年积极探索中国当代时装产业，寻找适宜被纳入馆藏的新设计。
　　收藏当代中国时装设计是V&A博物馆未来时尚项目规划风向转换的另一个标志。长期以来，馆内时尚展厅的永久陈列展品一直是以欧洲为中心，这一点将在2022年迎来改变：不仅策展团队在探索除静态陈列外，更具互动和体验性的新展馆设计方案，时尚展厅也将更名为全球时尚展厅（Global Fashion Gallery），以更长远的眼光和开放的心态，考虑将世界范围内的时装创作纳入博物馆收藏和展出范围中。
　　“时尚是不断演进的，博物馆也需要一样不断更新自己。”负责全球时尚展厅设计的Stanfill总结道。她只肯透露未来的展厅将舍弃掉原本使用的玻璃展柜：“其他内容要等到2020年的夏天才能宣告大家。说实话，虽然还有三年筹备时间，但我已经感觉开幕日仿佛就在明天了。”